Los 10 hechos más importantes detrás de cámaras sobre películas de ciencia ficción distópicas

Los 10 hechos más importantes detrás de cámaras sobre películas de ciencia ficción distópicas

La ciencia ficción tiene la capacidad de transportarnos a mundos completamente nuevos, para ver las posibilidades del futuro. Los escritores y cineastas suelen presentar la tecnología en un entorno distópico. Desde máquinas rebeldes hasta singularidades tecnológicas, la tecnología en sí se convierte en la fuente de la ruina de la humanidad.

Las principales figuras de la industria tecnológica incluso están comenzando a temer sus propias creaciones. Los gustos de Elon Musk y Clive Sinclair se preocupan por el auge de las máquinas sensibles. Max Tegmark ha hablado sobre cómo la IA podría algún día cambiar el rostro de la guerra cibernética. Y el difunto Stephen Hawking una vez se preocupó de que la tecnología sirviera para manipular a los líderes políticos y engañar a los mercados financieros.

Esta idea, que la civilización es destruida por lo que fue diseñado para ayudarla a evolucionar, ha fascinado a los espectadores durante décadas. Entonces, sin más preámbulos, echemos un vistazo a 10 hechos detrás de escena sobre algunas de las películas más populares que involucran distopías de ciencia ficción.

Advertencia: esta lista contiene spoilers importantes para muchas de las películas discutidas

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10 El guión de Blade Runner fue un asunto polémico

Hoy, Blade Runner se considera una obra maestra cinematográfica. Pero en el período previo al estreno de la película en 1982, otros no estaban tan seguros. El guión de la película se basó en la novela de Philip K. Dick ¿Sueñan los androides con ovejas eléctricas? El autor criticó el borrador original del guión, alegando que despojó a su historia de todo significado y sutileza. La opinión de Dick solo cambió después de que David W. Peoples, que había trabajado anteriormente en Return of the Jedi, fuera contratado para repetir el guión.

Mientras tanto, Harrison Ford odiaba la idea de que su personaje, Rick Deckard, fuera un replicante involuntario. El director Ridley Scott insistió en el giro. Pero las proyecciones previas de la película dejaron a la audiencia confundida. Scott arrancó apresuradamente algunas de las escenas más ambiguas, incluidas las que aludían al estado de Deckard como androide. Para el estreno en cines, Warner Bros ordenó a Harrison Ford que grabara voces en off explicando lo que estaba sucediendo durante ciertos momentos. Se dice que la entrega plana de Ford tenía como objetivo evitar que el estudio usara el material, algo que la estrella negó más tarde.

Mientras tanto, los ejecutivos del estudio estaban a punto de arrebatarle el control del proyecto a Scott. Las impresionantes imágenes de Blade Runner habían hecho que la película superara el presupuesto en millones de dólares, y la naturaleza fastidiosa del director significaba que iba retrasado. El trabajo en el final de la película fue igualmente polémico, con miembros del equipo descontentos que trabajaron 36 horas para terminar.

Blade Runner concluye con el replicante Roy Batty (Rutger Hauer) persiguiendo a Deckard por los tejados de Los Ángeles. Batty le perdona la vida a Deckard y, en sus últimos momentos, pronuncia el ahora famoso discurso "Tears in Rain". En las primeras horas de la mañana, Hauer reescribió esta parte del guión y le contó la escena a su jefe. "Era la una de la mañana. Me iban a despedir a las 3 ”, explicó Ridley Scott. “Y luego alguien dice que Rutger te quiere. Dije: '¡Oh, mierda!' ”Scott se dirigió al tráiler del actor y escuchó el discurso revisado. "Lo leyó y fue genial … dije, 'eso es lo que vamos a hacer'".

9 La tripulación de Terminator 2 redirigió un río

En el momento de su lanzamiento en 1991, Terminator 2 (T2) era la película más cara jamás realizada, con un presupuesto deslumbrante de alrededor de $ 100 millones. La epopeya de James Cameron sigue el viaje de John Connor mientras intenta evadir un robot modelo T-1000 que fue enviado al pasado para asesinarlo. Un T-800 (Arnold Schwarzenegger) salva el día, alejando a Connor en una Harley-Davidson. Mientras los dos escapan por un canal de Los Ángeles, el T-1000 los persigue en una grúa. Esta secuencia no fue tarea fácil.

En primer lugar, el estudio tenía que asegurarse de que el canal estuviera completamente seco para el rodaje. Lograron esta hazaña desviando un río cercano con sacos de arena. Luego, la tripulación construyó una pared falsa en el paso elevado del canal. Un camión se estrelló contra la pared y se hundió en el canal de abajo. Entonces, el equipo se dio cuenta de que el camión era demasiado alto para pasar por debajo de los puentes del canal. Entonces, usando un poco de pensamiento creativo, se les ocurrió una escena en la que uno de los puentes corta el techo del vehículo. El salto en motocicleta de 30 pies de Arnie se logró suspendiendo la bicicleta de dos grúas, situadas a ambos lados del canal. Luego, la Harley-Davidson fue sacada del paso elevado a 35 mph, con los cables de suspensión limitando la fuerza del impacto. El truco se realizó 20 veces antes de capturar la toma perfecta.

No es de extrañar que T2 haya gastado tanto de su presupuesto en efectos especiales. Se creó una miniatura detallada de toda la ciudad de Los Ángeles para retratar la destrucción apocalíptica de la ciudad, una escena que los expertos nucleares elogiaron por su realismo. La tripulación también resucitó una antigua fábrica de acero, voló un complejo de oficinas con cientos de galones de gasolina, iluminó una autopista con 10 millas de cableado eléctrico y protagonizó un explosivo accidente de helicóptero.

8 La Academia acusó a Tron de "hacer trampa"

Tron fue pionero en el uso de gráficos por computadora en la industria del cine, inspirando a una generación de animadores a seguir una carrera en el cine. Pero en realidad fueron los videojuegos como Pong y Breakout los que inspiraron la estética única de Tron. El equipo de efectos especiales capturó este ambiente arcade al realizar ediciones cuadro por cuadro de secuencias de acción en vivo. Las escenas se rodaron originalmente en blanco y negro, con decorados y vestuario en blanco y negro. Esto permitió a los animadores agregar los distintivos colores neón de Tron durante el posprocesamiento. Estas ediciones se combinaron luego con una variedad de efectos generados por computadora, todos producidos utilizando el talento combinado de algunas de las compañías de divisas más grandes de Estados Unidos. Por ejemplo, Magi Synthavision creó las motos de luz, los tanques y los reconocedores. Triple: trabajé en el malo de la película, el malvado Master Control Program. Y RA&A diseñó los paisajes para el mainframe digital de ENCOM.

Este proceso era costoso y requería mucho tiempo. Según el artista del guión gráfico de la película, Bill Kroyer, cada objeto generado por ordenador dentro de un cuadro necesitaba seis números para describir su posición en el espacio. Entonces, para cien cuadros, lo que equivale a solo cuatro segundos de metraje, se necesitaron 600 números para describir el movimiento del objeto. Con múltiples objetos, las cosas se volvieron aún más complicadas. Estos conjuntos de datos se enviaron luego a las compañías de efectos visuales, que tuvieron que ingresar los números manualmente en sus sistemas informáticos. Durante la fase de renderizado, un solo fotograma de metraje puede tardar hasta 10 minutos en realizarse.

Entonces, dados los logros técnicos de la película, puede ser una sorpresa saber que Tron no recibió una nominación al Oscar por Mejores efectos visuales. El director de la película, Steven Lisberger, explicó por qué los Premios de la Academia rechazaron la película: “Hicimos todos esos efectos en unos siete meses, que incluyeron inventar las técnicas. La Academia pensó que habíamos hecho trampa usando computadoras ".

7 Videodrome convirtió a James Woods en un sofá

David Cronenberg es bien conocido por su horror corporal. Desde convertir a Jeff Goldblum en una mosca gigante hasta hacer una película sobre parafilos que se divierten viendo accidentes automovilísticos, lo ha hecho todo. Y, sin embargo, nada supera a Videodrome. Lanzado en 1983, Videodrome sigue la vida de un ejecutivo de televisión llamado Max Renn (James Woods). Para aumentar sus índices de audiencia, Renn transmite un violento programa de tabaco llamado Videodrome. Eventualmente descubre que el programa se está utilizando para transmitir una señal de alta frecuencia que hace que los espectadores desarrollen tumores cerebrales malignos. Resulta que una empresa de armas está utilizando Videodrome para matar a personas que disfrutan viendo contenido de naturaleza violenta y sexual.

La exposición de Renn a la señal hace que experimente cambios extraños, tanto física como mentalmente. Mientras ve la televisión en el sofá, aparece una hendidura gigante en su abdomen. Luego, por razones desconocidas, mete la mano en la abertura con un arma cargada. Para que la escena funcionara, Cronenberg buscó la experiencia de Rick Baker, el legendario artista de efectos que trabajó en An American Werewolf en Londres. El equipo de Baker terminó construyendo a James Woods en el propio sofá, antes de pegarle una prótesis de torso en el vientre.

Después de pasar varios días en forma de sofá, Woods juró no volver a hacer una película que implicara tener cosas pegadas a su cuerpo. “Se vuelve hacia (su coprotagonista) Debbie Harry y dice:‘ Cuando aparecí por primera vez en esta película, era actor. Ahora siento que soy solo el portador de la raja ", recuerda Cronenberg. "Y ella dijo: 'Ahora ya sabes cómo se siente'".

6 El director de los 12 monos no estaba interesado en Bruce Willis

En 1995, el director Terry Gilliam comenzó a reflexionar sobre su sexto proyecto cinematográfico, 12 Monkeys. El estudio propuso a varios actores de renombre para protagonizar el papel principal, incluidos Tom Cruise y Nicolas Cage. Aunque el papel finalmente fue entregado a Bruce Willis, Gilliam tenía sus reservas. Se dice que Gilliam incluso le dio a la estrella una lista de "clichés de Bruce Willis", que se suponía que debía evitar durante los rodajes. “Le expliqué mis preocupaciones sobre él como actor. Odié eso (expresión de labios fruncidos) que hace en sus películas cuando se pone un poco nervioso. Pensé, 'Dios, eso es horrible' … Rectal. Es como si estuviera mirando el imbécil de alguien ".

Willis, que estaba filmando la tercera entrega de Die Hard en ese momento, a menudo luchaba por deshacerse de su personaje de John McClane. En una escena, se suponía que su personaje caería al suelo después de recibir un golpe en la cabeza. Willis se peleó con el director, alegando que la lesión no lo inmovilizaría. "¡No eres John McClane, vete a la mierda!", Replicó Gilliam. "Simplemente se fue y se enfurruñó junto a un árbol y yo seguí disparando sin él y finalmente regresó".

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5 El Distrito 9 se inspiró en parte en la migración de Zimbabwe

Si bien el Distrito 9 está fuertemente inspirado en el apartheid sudafricano, los orígenes de la película se encuentran en otra parte. District 9 está ambientado en el mismo mundo que Alive in Joburg, un cortometraje producido por el director sudafricano Neill Blomkamp. Al igual que en el Distrito 9, Alive in Joburg hace la pregunta: "¿Qué pasaría si los extraterrestres quedaran varados en la Tierra y nuestras dos especies se vieran obligadas a coexistir entre sí?" El breve falso documental muestra a un grupo de extraterrestres desesperados pidiendo refugio, agua y electricidad en las calles de Johannesburgo. Los lugareños temen a los extraterrestres y los acusan de cometer violaciones y asesinatos. Resulta que muchas de estas conversaciones fueron reales.

"De ahí surgió la idea", explicó Blomkamp. “Hay extraterrestres viviendo en Sudáfrica, le pregunté '¿Qué piensas de los africanos de Zimbabue que viven aquí?' Y esas respuestas: no eran actores, esas son respuestas reales …” Blomkamp incorporó las respuestas en su cortometraje, haciendo que Parece como si los entrevistados estuvieran hablando de extraterrestres.

Sudáfrica es el hogar de una gran población de zimbabuenses. La mayoría de los recién llegados son migrantes económicos, que pagan a traficantes de personas para que crucen el río Limpopo hacia Sudáfrica. La economía de Zimbabwe sufrió terriblemente a manos de su ex presidente, el fallecido Robert Mugabe. Los crecientes niveles de desempleo, inflación e impuestos han provocado un éxodo masivo del atribulado país.

El Distrito 9, luego de su lanzamiento en 2009, se metió en problemas con otra nación africana. Los funcionarios nigerianos intentaron prohibir la película por representar a nigerianos involucrados en el tráfico de armas, el canibalismo y la prostitución entre especies.

4 The Matrix: Familias de bajos ingresos con alojamiento recargado

Matrix Reloaded ve a Neo (Keanu Reeves) regresar a Matrix en busca de un programa que ayudó a esclavizar a la humanidad. Una raza inteligente de máquinas creó el programa, conocido como el Arquitecto, para hacer creer a los humanos que estaban viviendo sus vidas normalmente. En realidad, toda la población quedó atrapada dentro de una simulación, mientras que las máquinas usaban sus cuerpos como fuente de energía.

Varios programas intentan evitar que Neo llegue al Arquitecto. Una secuencia de persecución impresionante estalla en una autopista, repleta de tiroteos a cámara lenta, peleas de artes marciales y destrucción vehicular. Por supuesto, este nivel de caos no podría tener lugar en una autopista real, por lo que el equipo simplemente construyó una.

En Alameda, San Diego, el estudio gastó millones de dólares en la construcción de un tramo de 1.5 millas en una vieja pista de la marina. El proyecto requirió 7.700 toneladas de hormigón, 1.500 toneladas de acero y 1.500 toneladas de madera. Una vez que terminó el rodaje, Warner Bros trabajó con el condado para desmantelar los decorados. Los materiales recuperados se utilizaron luego para construir hogares para familias de bajos ingresos en México. Para ambas secuelas, se recicló el 97 por ciento de los decorados deconstruidos, lo que equivale a 11.000 toneladas de material.

3 AI. Superó a los animatronics de Jurassic Park

AI. La Inteligencia Artificial comenzó como un proyecto apasionante para Stanley Kubrick. El aclamado director inició el desarrollo de la película en la década de 1970, colaborando con varios escritores para producir un guión. Pero Kubrick pronto se dio cuenta de que la tecnología necesaria para lograr su visión no existía. Con el lanzamiento de Jurassic Park en 1993, Kubrick se convenció de que Steven Spielberg debería dirigir su película. Tras la muerte de Stanley en 1999, la familia Kubrick persuadió a Spielberg para que se hiciera cargo.

AI. muestra a la humanidad al borde de la guerra con sus propias creaciones robóticas, o mechas. Para diseñar las mechas, Spielberg reunió a un equipo de expertos en CGI y animatrónica. Con Stan Winston a la cabeza, que había trabajado anteriormente en Jurassic Park y The Terminator, el rodaje finalizó en solo 68 días. Algunos de los actores pasaron hasta tres horas en la silla de maquillaje mientras los artistas los transformaban en mechas descartadas. En una escena, se ve a un grupo de robots dañados, interpretados por amputados, recorriendo un vertedero en busca de piezas de repuesto. La película se aprovechó de los errores de Winston, utilizando una montaña de accesorios fallidos para poblar el cementerio de mechas.

Uno de los animatrónicos más sofisticados fue un oso de peluche de 3 pies de altura. Según Winston, Teddy era incluso más sofisticado que el T-Rex y los velociraptors en Jurassic Park. El modelo utilizado durante las tomas de acción albergaba un total de 50 servomotores, la mitad de los cuales se necesitaban solo para simular las expresiones faciales del oso. En cierto sentido, los técnicos se convirtieron en actores, ajustando a Teddy en tiempo real para asegurarse de que sus reacciones y movimientos fueran creíbles.

Uno de los aspectos más difíciles de las escenas de Teddy fue conseguir que la iluminación pareciera natural. El supervisor de efectos visuales, Scott Farrar, explicó el problema: “El simio gigante de Mighty Joe Young (1998) solo tenía un promedio de 700.000 cabellos y medían 30 centímetros de largo. Este pequeño osito de peluche tiene un millón y medio de pelitos, y cada uno de ellos tiene ocho segmentos curvos. ¡Son 12 millones de manipulaciones de las que preocuparse! "

2 Ridley fue arrancado del set de Blade Runner 2049

Ridley Scott no dirigió la secuela de Blade Runner 2049. Eso quedó en manos del director de cine canadiense Denis Villeneuve. Como productor ejecutivo, Scott solía aparecer en el set, sobre el hombro de Villeneuve. El director finalmente expresó su malestar: “Llegó un día al set y, después de unos minutos de tenerlo detrás de mí, fue insoportable. Hice una broma, le dije: 'Oye, Ridley, ¿quién es tu director favorito?' Él dijo: 'Oh, amo a Ingmar Bergman y Kubrick' … así que le dije: '¿Cómo te sentirías si estuvieras en el set de dirección? y tenías a Bergman detrás de ti ". Mientras Kubrick tomó el comentario de buen humor, rápidamente recibió el mensaje y se fue.

2049 no fue el éxito de taquilla que muchos esperaban, muy por debajo de sus costos de producción y marketing de $ 300 millones. Ridley Scott afirma que la película fracasó porque fue "demasiado larga". En cuanto a dónde se dirige la franquicia, Scott dice que actualmente está trabajando en ideas para la próxima película.

1 El final original de Star Wars fue oscuro

En El Imperio Contraataca, Luke Skywalker (Mark Hamill) ve una visión de su propio rostro debajo de la máscara de Darth Vader. Más tarde, Vader le da a Luke el icónico discurso de "Yo soy tu padre", antes de intentar convertirlo en el lado oscuro. The Revenge of the Jedi se apoya fuertemente en la idea de que Skywalker se gire. Pasa gran parte de la película vestido de negro matando a sus enemigos con un sable de luz. Muchos han teorizado que Luke usó el lado oscuro para dominar a Vader durante su confrontación final. Después de cortar la mano de Vader, el Emperador Palpatine incita al joven Jedi: "Tu odio te ha hecho poderoso".

El episodio final, originalmente llamado Revenge of the Jedi, podría haber sido mucho más oscuro. Un posible final de la trilogía original vería a Luke siguiendo los pasos de su padre. George Lucas sugirió al coguionista Lawrence Kasdan que Skywalker debería girarse después de que Vader revelara su rostro. De una transcripción de la reunión: “Luke se quita la máscara. La máscara es lo último, y luego Luke se la pone y dice: "Ahora soy Vader". Luke entonces haría su misión destruir la flota rebelde. Según los informes, a Kasdan le encantó esta idea.

Mark Hamill también está registrado diciendo que presionó a Lucas para convertir a Skywalker en un villano. Harrison Ford quería que Han Solo muriera luchando contra el Imperio en Endor, sin importarle lo que le sucediera a su personaje. Pero Lucas se opuso a ambas ideas, creyendo que la película necesitaba atraer a un público más joven.

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