Los 10 hechos más extraños sobre las películas navideñas populares

Los 10 hechos más extraños sobre las películas navideñas populares

En 1898, George Albert Smith creó una de las primeras películas navideñas registradas. Las simples imágenes en blanco y negro mostraban a Santa bajando por la chimenea de una casa familiar y entregando regalos a los niños dormidos. Con una duración de poco más de un minuto, la imagen silenciosa muestra cuán radicalmente ha cambiado la industria.

La película navideña es ahora un gran negocio, con Hollywood lanzando cualquier cosa, desde éxitos de taquilla hasta películas para televisión. Cada julio, las decoraciones navideñas comienzan a apoderarse de partes de la Columbia Británica en Canadá. Los equipos de filmación invaden el área y comienzan a hacer docenas de películas económicas de temática festiva para artistas como Hallmark y Lifetime (Hallmark hizo dos docenas de ellas solo en 2019). Muchos de los principales sitios de transmisión, incluido Netflix, también se están sumando.

Con la temporada navideña sobre nosotros una vez más, y con tanta gente aún encerrada, hay mucho tiempo para ponerse al día con algunos de los clásicos. Entonces, sin más preámbulos, echemos un vistazo a solo 10 datos intrigantes sobre películas navideñas.

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10 A John Candy le pagaron cacahuetes por solo en casa

Solo en casa se hizo con un presupuesto reducido de solo $ 18 millones. Warner Brothers estaba originalmente al frente del proyecto, hasta que los costos de producción superaron el presupuesto inicial de $ 10 millones de la película. Pero el escritor de Home Alone, John Hughes, predijo que el estudio retrocedería en sus compromisos. En secreto, organizó un patrocinador alternativo, dejando una copia del guión en la sede de 20th Century Fox. “Básicamente, se dejó un guión en algún lugar para que alguien pudiera leerlo. Fue entregado clandestinamente ”, explicó el productor Scott Rosenfelt. Entonces, cuando Warner desechó la producción, Hughes y compañía. estaban listos para continuar trabajando en un estudio completamente diferente.

La financiación siguió siendo un obstáculo importante. El actor que interpretó a Marv (Daniel Stern) renunció después de que le pidieran que trabajara dos semanas adicionales sin pago adicional. Después de que las cosas no salieran bien con su reemplazo, el estudio convenció a Stern para que volviera. Mientras tanto, a John Candy no se le pagó prácticamente nada por su papel de Gus Polinski, el adorable músico que reúne a Kevin McCallister con su madre. Candy filmó sus escenas en un solo día y recibió menos paga que el actor que interpretó al repartidor de pizzas ($ 414). Desde entonces, la película ha recaudado casi 500 millones de dólares. (1)

9 Un embarazo hecho posible

Bruce Willis no fue exactamente la primera opción del estudio para interpretar a John McClane. El estudio, ansioso por conseguir una estrella de acción probada y probada a bordo, se acercó primero a personas como Sylvester Stallone y Harrison Ford. Incluso Clint Eastwood, que poseía los derechos de la película en los años 80, fue considerado para el papel. (2) El estudio tenía tan poca confianza en la capacidad de Willis para llamar la atención en la taquilla que comercializó los carteles de la película con imágenes. de solo la Plaza Nakatomi.

En ese momento, Willis protagonizaba junto a Cybill Shepherd el programa de televisión de comedia Moonlighting. La producción de Die Hard entró en conflicto con el rodaje de Moonlighting, lo que significa que Willis se vio inicialmente obligado a rechazar el papel. En 2013, el actor explicó cómo cambió todo: “Gracias a Dios Cybill Shepherd quedó embarazada. (Productor) Glenn Caron nos despidió durante 11 semanas y yo fui a hacer Die Hard ". (3)

Willis pasó por muchas cosas durante su tiempo como el duro y listo policía de Nueva York. Perdió dos tercios de su audición en un oído, después de disparar cartuchos de fogueo con una pistola de apoyo. En su primer día de rodaje, realizó un truco de acción que involucró una explosión en el helipuerto de la azotea de Nakatomi (en realidad era solo un garaje de cinco pisos). El equipo de producción usó bolsas de gasolina para simular la explosión del edificio, untando a Willis con una sustancia pegajosa ignífuga para protegerlo del infierno que siguió. La fuerza de la explosión fue tan poderosa que casi arrojó a la estrella de acción fuera de la bolsa de aire: "Yo estaba como, '¿Por qué dispararías esta escena primero?' Y ellos dijeron, 'Si te mataran al final de la película, nos costaría mucho más dinero volver a filmar todo con otro actor ".

8 La razón del éxito meteórico de una vida maravillosa

It’s a Wonderful Life, de Frank Capra, es considerada una de las mejores películas de todos los tiempos. Sin embargo, este no fue siempre el caso. La película recibió críticas mixtas tras su lanzamiento en diciembre de 1946 e inicialmente no pudo recuperar sus costos de producción. La película desapareció rápidamente de la conciencia pública, hasta muchas décadas después.

Resulta que las películas filmadas antes de 1968 están sujetas a la Ley de derechos de autor de EE. UU. De 1909. (4) Cualquier película que esté incluida en la ley recibe automáticamente un período de derechos de autor de 28 años. Entonces entra en vigor un segundo plazo de 28 años, pero solo si el titular de los derechos de autor lo solicita. En este caso, Republic Pictures no completó la documentación necesaria y perdió sus derechos sobre la película. El vergonzoso error significó que It's a Wonderful Life ingresara al dominio público en 1978, lo que llevó a las cadenas de televisión a transmitir la película durante las vacaciones. Después de varias décadas de transmisiones libres de derechos, la película se convirtió en sinónimo de Navidad.

En 1993, Republic Pictures llevó el asunto a la Corte Suprema. El estudio argumentó que conservaba los privilegios de derechos de autor, porque poseía los derechos de la historia en la que se basaba la película (The Greatest Gift). (5) Después de ganar el caso, Republic otorgó a NBC los derechos exclusivos para mostrar la película en su red.

7 El Grinch que causó problemas de salud mental

El Grinch fue una experiencia agotadora para todos los involucrados. Tomó más de ocho horas aplicar el maquillaje para la primera sesión de Jim Carrey. Carrey estaba lejos de divertirse. Regresó a su remolque y, en un ataque de ira, atravesó la pared con el pie. El estudio tomó medidas inusuales, organizando que Carrey se reuniera con alguien que se especializaba en enseñar a los agentes de la CIA cómo soportar la tortura. Con todo, Carrey se vio obligado a ponerse el traje de Grinch 100 veces.

Este agotador proceso también pasó factura al maquillador de la estrella de cine, Kazuhiro Tsuji. En 2017, Kazuhiro le dijo a la prensa que la producción de la película se retrasó debido a los muchos colapsos de Carrey, y el actor a menudo desapareció durante largos períodos. Si bien la atmósfera en el set finalmente mejoró, el maquillador admitió más tarde que necesitaba sesiones de terapia después de trabajar con Carrey. (6)

6 Bill Murray sufrió en el set de Scrooged

En 1988, Bill Murray deleitó al público con su versión cómica de A Christmas Carol, Scrooged. En la película, Murray interpreta el papel de Frank Cross, un importante ejecutivo de televisión que se obsesiona con obtener las mejores calificaciones de las cadenas. Al igual que Ebenezer Scrooge de Dickens, Cross recibe la visita de tres fantasmas que le recuerdan la importancia de la amistad y la familia durante la Navidad. Varias escenas involucran al Fantasma del Regalo de Navidad (Carol Kane), un hada abusiva que constantemente golpea, abofetea y pellizca a Frank para someterlo. Resulta que gran parte de esta comedia slapstick era muy real.

Bill Murray cometió el error de decirle a Kane que hiciera que las escenas parecieran lo más auténticas posible. "Hay un trozo de piel que conecta el labio con las encías y realmente se desprendió", recuerda Murray. "Ella realmente me lastimó". El rodaje se suspendió temporalmente para permitir que el labio del actor se curase solo. Uno de los hermanos de Murray, que también protagonizó la película, encontró las escenas particularmente agradables: "(Fue) divertido ver a Carol Kane casi arrancarle la nariz con una tostadora repetidamente". (7)

Las escenas afectaron emocionalmente a Kane. En una entrevista con la ahora desaparecida revista de ciencia ficción Starlog, Murray y el director de cine Richard Donner describieron cómo la actriz rompía a llorar durante 20 minutos a la vez. (8)

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5 Por qué Elf 2 nunca sucedió

Elf fue la primera carrera de Will Ferrell, ya que representó su primer papel principal en una película importante. La película recibió elogios de la crítica y recaudó la asombrosa cantidad de 220 millones de dólares. Así que fue una gran sorpresa saber que ya no se estaba preparando una secuela. Oficialmente, Farrell dice que rechazó el papel porque no quería interpretar a "Buddy, el elfo de mediana edad". (9)

El actor James Caan, quien interpretó al padre de Buddy, tiene una visión algo diferente de por qué Elf 2 nunca sucedió. “El director (Jon Favreau) y Will no se llevaban muy bien. Will quería hacerlo y no quería al director. Lo tenía en su contrato. Fue una de esas cosas ”. (10)

El estudio le ofreció a la estrella de Anchorman 29 millones de dólares para que se volviera a poner las medias verdes, pero Ferrell se negó. En una entrevista en 2006, la leyenda de la comedia dijo que no podía soportar la idea de hacer una secuela insatisfactoria por poco dinero. (11)

4 Pesadilla antes de Navidad fue minuciosa

Pesadilla antes de Navidad utilizó la animación stop-motion para dar vida a Jack Skellington y sus espeluznantes compinches. Como la epopeya de Tim Burton se filmó en 24 fotogramas por segundo, los animadores necesitarían mover a cada uno de los personajes en una escena 24 veces por cada segundo de metraje utilizable. Con solo un minuto de metraje que tarda hasta una semana en filmarse, no es de extrañar que la película haya tardado tres años en terminar. (12)

Al inicio de la producción, un equipo de escultores se dedicó a crear cientos de títeres. Los esqueletos móviles se incrustaron en cada molde de personaje, lo que permitió a los animadores moverlos sobre la marcha. Muchas de las expresiones faciales se lograron cambiando entre diferentes cabezas de modelo. Jack Skellington, por ejemplo, tenía alrededor de 400 cabezas.

El estudio construyó cientos de conjuntos de modelos en 19 escenarios de sonido. A continuación, se tallaron una serie de trampillas en cada escenario, proporcionando suficiente espacio para que los trabajadores del cine reposicionaran a sus personajes. Sin embargo, este proceso no estuvo exento de dificultades. Un solo error en el trabajo de iluminación o de cámara le costaría horas de trabajo al equipo. "Si tienes un problema con un encuadre, tienes que volver a fotografiar todo", explicó el animador supervisor, Eric Leighton.

3 El final de la Navidad blanca fue renovado para la realeza

La década de 1950 fue la Edad de Oro de la Televisión, con la aparición de televisores en las salas de estar de todo Estados Unidos. El cambio provocó el pánico entre los ejecutivos de cine, quienes notaron que muchas de sus estrellas de alto perfil estaban cambiando a la televisión. En un intento por hacer que el público volviera al cine, las nuevas tecnologías estaban comenzando a ganar terreno. Lanzada en 1954, White Christmas fue elogiada por presentar a los cinéfilos VistaVision, un nuevo proceso de impresión que proporciona colores más profundos y una imagen de pantalla ancha más nítida. (13) Funcionó. La película navideña fue una tormenta en la taquilla, recaudó más de $ 12 millones y generó críticas entusiastas.

White Christmas cuenta la historia de un par de productores de películas, interpretados por Bing Crosby y Danny Kaye, que intentan salvar la posada de su antiguo compañero del ejército de la ruina financiera. Los dos montan un espectáculo en el escenario e invitan a sus hermanos de armas a asistir. La escena final ve a Crosby y Kaye cerrar el espectáculo con una interpretación icónica de White Christmas.

Rosemary Clooney (tía de George Clooney) interpretó al interés amoroso de Crosby. Ella recuerda cómo el elenco y el equipo acababan de terminar el final musical de la película cuando el director, Michael Curtiz, les pidió que volvieran a hacer toda la escena. El director pensó que la repetición imaginaria impresionaría a un par de visitantes muy especiales: el rey y la reina de Grecia. Pero Crosby no era fanático de la idea.

“Michael Curtiz dijo, 'ahora el rey y la reina de Grecia vienen a visitar el set, y quiero fingir que volvemos a filmar esto'”, explicó Clooney. “Y escucho a Bing (susurrando), 'Yo no'. Y entonces le digo, '¿A dónde vas a ir?' Y él dice, 'Golf'” (14).

2 El hilo de la historia perdida de Love Actually

Love Actually sigue a un grupo de personas comunes mientras se preparan para las vacaciones de Navidad. La historia entretejida de la película se convirtió en un gran éxito de taquilla después de su estreno en 2003, y la película ganó 250 millones de dólares. Pero resulta que un arco de la historia principal quedó en el piso de la sala de montaje.

Al escritor y director de la película, Richard Curtis, se le ocurrió una trágica historia sobre una directora lesbiana que pierde a su pareja a causa del cáncer. Al público se le presenta por primera vez a la directora cuando reprende a un estudiante por inventar un extraño deseo navideño: la capacidad de ver los pedos de una persona. Pero pronto nos enteramos de que hay una razón por la que su sentido del humor falla. Después de que termina la escuela, regresa a casa y cocina para su compañera postrada en cama, Geraldine. A medida que se desarrolla la escena, pronto descubrimos que Geraldine tiene una enfermedad terminal.

"Lamenté mucho perder esto", dijo Curtis. (15) El famoso escritor de comedia explicó que la historia de la pareja se cortó porque una de las escenas ya no tenía sentido después de la edición. También se refirió a la brusquedad de la muerte de Geraldine, que recibe solo una referencia pasajera antes del final de la película.

1 A los ejecutivos de televisión no les gustaba la Navidad de Charlie Brown

Una Navidad de Charlie Brown desafió las expectativas tras su lanzamiento en 1965, con casi la mitad del público propietario de televisores sintonizando para ver la caricatura. Hoy, el especial navideño es un elemento básico de la Navidad estadounidense. Pero en el período previo a la transmisión, los ejecutivos de televisión no estaban convencidos de su potencial. Charlie Brown habla de cómo la Navidad lo está deprimiendo, mientras que otros personajes se quejan de la comercialización de la temporada festiva. Los jefes de la cadena fueron críticos, afirmando que el trabajo se adaptaba mejor a la página del cómic. (16) CBS solo decidió publicar el especial porque ya estaba incluido en la guía de televisión.

Los creadores también estaban en conflicto. El director de animación, Bill Meléndez, pensó que el final de temática religiosa era demasiado "peligroso". Un desanimado Charlie Brown pregunta: "¿No hay nadie que sepa de qué se trata la Navidad?" Linus responde con un recital perfecto del Evangelio de Lucas, ocupando un lugar central para relatar el nacimiento de Jesucristo.

Fue Charles Schulz, el creador de la banda Peanut, quien presionó por la inclusión de los versículos bíblicos. Habiéndose convertido al cristianismo poco después de su experiencia de la Segunda Guerra Mundial, gran parte del trabajo de Schulz estuvo fuertemente influenciado por la religión. (17) Meléndez seguía nervioso por el monólogo de Linus, ya que la mayoría de los programas de televisión evitaban los temas religiosos. Schulz le dijo a Meléndez, "Bill, si no lo hacemos nosotros, ¿quién más puede?" La apuesta dio sus frutos, y A Charlie Brown Christmas parece preparada para celebrar su 55 aniversario.

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