Las 10 pinturas más famosas que inspiraron a los cineastas de terror

Las 10 pinturas más famosas que inspiraron a los cineastas de terror

Escenografías y escenarios interiores y exteriores, temas y motivos, monstruos y amenazas, incluso diálogos y efectos de sonido: todos estos elementos de películas de terror han sido sugeridos por pinturas famosas.

Inspirándose en las obras de artistas aclamados, los directores de películas de terror han añadido efectos de audio, visuales y dramáticos a sus propias visiones creativas, realzando sus obras artísticas con las de los maestros del expresionismo, el realismo mágico, el realismo, el surrealismo, el modernismo, el romanticismo y la Barroco.

Los resultados son sorprendentes, agregando riqueza y profundidad a las propias imágenes y temas de las películas sobre lo horrible y lo terrible.

10 Imagen de Dorian Gray

Aunque puede que no sea tan famoso como algunos de los otros pintores de esta lista, Ivan Albright, el aclamado "maestro de lo macabro", fue la elección del director Albert Lewin como el artista que pintaría el retrato del protagonista de su película de terror The Imagen de Dorian Gray (1945), una adaptación de la novela de Oscar Wilde de 1891.

En la película, como en la novela, Gray, un joven apuesto, encarga su retrato. Como resultado de un trato con el diablo, los efectos de la "vida disoluta y malvada" de Gray dejan sus marcas en la pintura, más que en la propia apariencia de Gray, y el vanidoso réprobo permanece tan joven y guapo como siempre, a pesar del paso de el tiempo y su multitud de hechos viles. Aunque la película fue filmada en blanco y negro, Lewin tomó el retrato a todo color para resaltar la horrible transformación de Gray.

En la pintura al óleo de Albright, Retrato de Dorian Gray (1943-1944), Gray es envejecido, su frente arrugada, su carne podrida gris, su nariz bulbosa, su boca torcida y su cara y manos manchadas de sangre. Parece bastante enojado, con los ojos abiertos y abiertos, y su ropa sucia y andrajosa, también manchada de sangre, parece mohosa. Los muebles de la habitación en la que se encuentra también están arruinados y faltan yeso en las paredes. Rostros extraños y formas monstruosas parecen mirar de las paredes, los muebles, la ropa de Gray y la alfombra de flores debajo de sus zapatos gastados y manchados de sangre. Gracias al "retrato" de Albright, el público tiene claro que el estado del alma de Gray es, de hecho, espantoso, por muy joven y hermoso que pueda parecer su forma y semblante carnales; la pintura es una expresión perfecta del tema de la película: el mal corrompe el alma.

9 El sábado de las brujas

Al filmar The Witch: A New England Folktale (2015), el director Robert Eggers, que también escribió el guión de la película, se esforzó por recrear el mundo del siglo XVII, en el que se desarrolla su drama, de modo que la representación realista del escenario agregue credibilidad a la premisa de la película de que las brujas realmente existieron. Con este fin, también trató de representar a su propia bruja como creíble.

Aunque las brujas eran "mucho más primitivas y mucho más aterradoras" de lo que la gente podría imaginar hoy, dijo Eggers, la bruja de su película también debe impresionar a su audiencia como alguien en cuya existencia sus contemporáneos realmente habrían creído. Por esta razón, no podía parecerse a las versiones de brujas de "cuento de hadas". Una forma en que se aseguró de la precisión de sus descripciones de la época del escenario de su película fue consultar a "historiadores, museos y expertos en historia viva".

Eggers también recurrió a una obra maestra de un pintor famoso en busca de inspiración sobre cómo representar a su bruja: el sábado de las brujas de 1798 de Francisco Goya. Aunque la obra está "fuera" del marco temporal del mundo de Eggers del siglo XVII, es una representación atemporal del tema, dijo el director, y las "mejores representaciones visuales de brujas que podrías pedir".

La pintura muestra al diablo, disfrazado de cabra, sentado erguido, con los cuernos rodeados por una guirnalda, rodeado de brujas, una de las cuales presenta a la figura central un bebé recién nacido desnudo, mientras que otra presenta a un niño desnudo y demacrado. Algunas de las brujas son mayores que otras, pero ninguna es joven. Además de la presentación de los niños, presuntamente como sacrificios, aparece al fondo una de las imágenes más inquietantes del cuadro: tres cuerpos de niños desnudos colgados del cuello de una rama desnuda y afilada clavada en el suelo.

Irónicamente, aunque Eggers utiliza la pintura de Goya como un estudio de las brujas, al ver en su representación una presentación realista de cómo podrían aparecer, Witches Sabbath, al igual que las otras pinturas de las seis obras que Goya dedica al “tema de la brujería”, son vistas por La crítica como “una crítica satírica de las supersticiones de la sociedad culta a la que. . . el pintor pertenecía ".

8 Necronomicon IV y Necronomicon V

Las pinturas con aerógrafo del surrealista H. R. Giger son obras inquietantes, inolvidables y únicas que presentan figuras biomecánicas mitad humanas y mitad máquinas; arbustos antropomorfos; monstruos parecidos a anguilas; fetos formas fálicas; maquinaria; y un ser extraño y monstruoso que inspiró a la criatura extraterrestre en la película de terror de ciencia ficción de 1979 de Ridley Scott, Alien.

Al pintar y esculpir a la criatura en el set, además de esculpir los interiores de la nave espacial, Giger le dio a Scott lo que quería. Aunque el artista había preferido diseñar la criatura alienígena de nuevo, Scott, impresionado por "la manera única en la que" las pinturas de Giger Necronomicon IV (1976) y Necronomicon V (1976) "transmitían tanto horror como belleza", exigió que Giger "siguiera sus formulario." Como resultado, la audiencia de Scott no solo estaba aterrorizada por el extraterrestre de Giger, sino que el artista ganó un premio de la Academia de 1980 a los mejores efectos visuales por su trabajo en la película.

7 El jardín de las delicias

Regan MacNeil, poseída por espíritus malignos, lanza, además de proyectil verde, vómito, blasfemia, obscenidad, blasfemia, insultos e invectivas a los dos sacerdotes que han llegado a su casa para exorcizar a los demonios que lleva dentro. El extraño comportamiento del adolescente presentó un problema. ¿Cómo suena la voz del diablo? El director de El exorcista, William Friedkin, y Chris Newman, que trabajaban en el departamento de sonido de la película, encontraron su respuesta en una fuente poco probable: el famoso tríptico surrealista de Hieronymus Bosch, El jardín de las delicias (1490-1510).

Debido a que Linda Blair, quien interpretó a Regan, era una actriz infantil, la voz ronca de Mercedes McCambridge entregó gran parte del lenguaje soez de la película de 1971. Friedkin mostró el cuadro de Newman Bosch, señalando las decenas de demonios en el panel del tríptico que representa la visión del infierno del pintor. "Así es como debería sonar la voz de Satanás", sugirió Friedkin. Para crear el “elaborado. . . cacofonía de sonidos sugerida por las imágenes de lo demoníaco de Bosch, "cientos de. . . grabaciones "se utilizaron para crear una mezcla de" diversos sonidos "que incluían, entre otros, los de" ranas arborícolas croando y abejorros ".

6 El Imperio de la Luz

La serie surrealista de pinturas al óleo y gouache de Rene Magritte, denominada colectivamente El imperio de la luz (1940-1960), proporcionó la inspiración para una toma exterior de la película de Friedkin. Las pinturas presentan una escena similar: una casa, rodeada por formas nocturnas de árboles, arbustos y sombras, iluminada solo por un poste de luz en el césped y una luz en una ventana de arriba, se encuentra bajo un cielo nublado y azul durante el día.

Debido a que la pintura yuxtapone el día y la noche de una manera imposible, muchos consideran la escena que representa como espeluznante, una imagen perfecta para una película sobre la liberación de una niña de la posesión demoníaca. La pintura de Magritte inspiró la escena de la película de Friedkin que muestra la llegada del padre Merrin, parado solo en la calle, bajo una farola, afuera de la casa en la que el diablo lo espera. El cielo brillante representa el cielo, la morada de Dios, quizás, mientras que la oscuridad de la tierra, el dominio del diablo, simboliza el mal.

5 Pinturas de Amedeo Modigliani

El monstruo en It de Stephen King cambia de forma, capaz de asumir la forma de la peor pesadilla de cualquiera. A menudo, aparece como Pennywise, el payaso loco y amenazador, pero, en la adaptación cinematográfica de la novela de King de 2017 del director Andy Muschietti, también se transforma en un hombre lobo, un leproso y una flautista que emerge de un Amedeo Modigliani. pintura en el despacho del padre del joven Stanley Uris.

La flautista es aterradora porque su rostro es increíblemente alargado, los rasgos son más que asimétricos, porque están imposiblemente desalineados, y los cráneos deformados parecen vacilar sobre cuellos alargados. Este avatar en particular de It, explicó el director, es “una traducción literal de un miedo infantil muy personal. En mi casa, había una impresión de un cuadro de Modigliani que me pareció aterrador. Y la idea de encontrarme con una encarnación de la mujer en él me volvería loco ". La representación de una figura femenina en la pintura estaba tan "deformada", agregó el director, que le pareció monstruosa. En cierto sentido, el extraño flautista de su versión de Es así como se le aparece el monstruo de King; Ha tomado la forma más aterradora para el director, una realización del peor miedo infantil de Muschietti.

4 La pesadilla

En 1781, Henry Fuseli pintó Der Nachtmahr (La pesadilla), en la que un íncubo, o demonio sexual masculino, se posa sobre el abdomen de una mujer dormida vestida con un camisón, con los brazos y la cabeza colgando de la cama y el resto de su cuerpo. en una actitud sensual. La cabeza de un caballo (perteneciente a la pesadilla o pesadilla) emerge de las densas sombras del dormitorio.

En 2015, la famosa pintura inspiró el motivo de la película del mismo título, dirigida por Akiz, un seudónimo de Achim Bornhak: el personaje principal de la película, Tina, duerme con la espantosa criatura demoníaca a su lado. ¿Está imaginando su presencia? ¿Es ella la única que lo ve?

Real o imaginario, ¿cómo se relaciona la entidad con Tina y qué representa? Parece que Bornhak es deliberadamente ambiguo sobre el significado de la criatura y, por lo tanto, el tema de su película. El ser feto podría representar la incipiente locura de Tina. Podría simbolizar su alejamiento de sus compañeros. Podría sugerir el miedo de Tina al rechazo.

Las alusiones de la película a 2001: Una odisea del espacio de Stanley Kubric ya su La naranja mecánica; al místico poeta romántico inglés William Blake; y, por supuesto, para Fuseli la pintura parece frustrar la interpretación tanto como podría ofrecer pistas sobre el significado de la película, lo que hace que los críticos se pregunten, aún más, cuáles podrían ser las intenciones de Bornhak. Quizás, el significado de la película depende de las propias interpretaciones de la audiencia.

3 Casa junto al ferrocarril

Conocida por millones, la casa victoriana de Norman Bates, sola, en la colina que domina su motel aislado, es una de las partes más inolvidables del escenario de la macabra obra maestra de 1960, Psicosis, de Alfred Hitchcock. Son muchos menos los que saben que la inspiración para esta casa de los horrores es el cuadro de 1925 House by the Railroad, del célebre Edward Hopper.

El Museo de Arte Metropolitano de la ciudad de Nueva York describe la residencia de la pintura como "una gran casa victoriana, su base y terrenos oscurecidos por las vías de un ferrocarril (que) crean una barrera visual que parece bloquear el acceso a la casa, que está aislada en un paisaje vacío ". Es precisamente este estado de ánimo el que crea la casa de Hitchcock en la cima de la colina. En lugar de invitar, la casa prohíbe. No existe como parte de una comunidad más grande, sino que está aislado y solo; separa a su residente del mundo más amplio, lo que le permite a Bates vivir en una realidad imaginaria de su propia invención, un mundo, que resulta ser uno tanto de soledad como de locura.

2 Susana y los ancianos

Otras pinturas además de la de Hopper también inspiran uno de los escenarios de Psycho, el salón detrás de la oficina de Bates en el motel. Según un avance de la película, el propio Bates describe el salón como su "lugar favorito". Señalando una de las pinturas en la pared de la sala, comienza a explicar su "gran significado", pero no termina su pensamiento. La pintura es una impresión de Susanna and the Elders de 1731 de William van Mieris, que tiene más que un propósito meramente decorativo o estético; cubre la mirilla a través de la cual Bates espía a Marion Crane.

La pintura en sí recuerda el capítulo trece de Daniel en la Biblia católica (el libro de Susana en los apócrifos protestantes), en el que Susana, una joven honrada, es espiada por ancianos mientras se baña. Cuando ella rechaza sus demandas de tener relaciones sexuales con ellos, ellos ponen en peligro tanto su reputación como su vida al mentir acerca de haberla sorprendido en el acto de adulterio. Por lo tanto, la presencia de la pintura crea una alusión que subraya los paralelismos entre la difícil situación de Susanna y la de Crane, intensificando el suspenso de la película. También implica a la audiencia de la película, que, al igual que los ancianos de la pintura y el propio Bates, también "espían" a Crane mientras se ducha.

1 Venus con espejo

El salón detrás de la oficina del Bates Motel también exhibe la obra maestra de 1555 de Tiziano, Venus con un espejo. Voluptuosa, la diosa semidesnuda se sienta, con el brazo derecho y la parte inferior del cuerpo envueltos en terciopelo rojo, mirándose en un espejo sostenido a tal efecto por un Cupido alado. Un segundo asistente similar sostiene un espejo de mano detrás de su cabeza, para que pueda examinarse a sí misma tanto por detrás como por delante. Su mirada absorta sugiere que está complacida con lo que ve.

Como observa Katrina Powers, en su discusión sobre la pintura en The Journal of American Culture, "Se lleva la mano izquierda al pecho, tal vez para admirar el brazalete de oro y el anillo que lo adornan", ya que también considera si las joyas son una buena combinación para "sus aretes de perlas y las decoraciones de oro y perlas que usa en su cabello rubio". De ninguna manera debe interpretarse que su brazo levantado "protege su desnudez", declara Powers, ya que es más bien, más bien, "una de (las) muchas poses" que hace mientras contempla "su propia belleza".

En la exhibición del retrato de Venus junto al de la pintura de Susanna, los críticos han visto múltiples significados, incluyendo “la conexión entre voyerismo, deseo y violencia” (Donald Spoto); “Voyerismo, acusación injusta, inocencia corrupta, mal uso del poder, secretos, lujuria y muerte” (Erik Lunde y Douglas Noverr); y "una fantasía de violación" (Michael Walker). También puede ser que, para Bates, Marion represente la tentación de la sexualidad femenina que su "madre" le prohíbe (Venus) y el deseo de entregarse a esta tentación, a través del voyeurismo (Susanna) que acaba en violencia y muerte para Marion. , la encarnación de estos impulsos y necesidades en conflicto.

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