Las 10 mejores historias detrás de escena sobre películas de Ridley Scott

Las 10 mejores historias detrás de escena sobre películas de Ridley Scott

Después de graduarse del Royal College of Art, Ridley Scott pasó nueve meses trabajando en Nueva York. Durante este tiempo, logró ahorrar suficiente dinero para visitar Hollywood. El joven de 22 años hizo el viaje en un autobús Greyhound y durmió en una pensión cerca de Hollywood Boulevard. Regresaría, unos 57 años después, para dejar sus propias huellas fuera de la explanada del ilustre Teatro Chino. “Recuerdo estar parado afuera y mirar las huellas. Nunca, jamás, hubiera pensado que esto sucedería ”.

Al principio, Scott no tenía ninguna intención de entrar en el negocio del cine. Regresó a Inglaterra y comenzó a trabajar como escenógrafo para la BBC. Al darse cuenta de que había más dinero en publicidad, Scott formó su propia agencia de publicidad con su hermano, Tony. Durante este tiempo, Scott dirigió algunos de los comerciales más emblemáticos de todos los tiempos, incluido el anuncio del Super Bowl de 1984 con temática orwelliana de Apple. Su primera experiencia como director llegó en 1965, cuando reclutó a su hermano adolescente para rodar un cortometraje en las playas del norte de Inglaterra. El proyecto, llamado Boy and Bicycle, tenía un presupuesto de 65 libras y tardó seis semanas en filmarse.

Después de pasar dos décadas en publicidad, Scott decidió que era hora de romper Hollywood. Su primer largometraje, The Duellists, ganó el premio a la Mejor Película Debut en el Festival de Cine de Cannes en 1977. A partir de ahí, la carrera de Ridley despegó como un cohete. Llevándonos desde las calles iluminadas con neones de las distopías de ciencia ficción hasta los terrenos empapados de sangre de los anfiteatros romanos, el legendario director ha dejado una marca indeleble en la faz del cine. Hasta la fecha, sus películas han ganado la asombrosa cantidad de $ 4 mil millones en la taquilla mundial. Con eso en mente, echamos un vistazo a solo 10 historias detrás de escena sobre las películas de Ridley Scott.

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10 El presupuesto de los duellistas y la escena del caballo

El primer largometraje de Scott, The Duellists, cuenta la historia de dos húsares franceses durante las Guerras Napoleónicas. El teniente Gabriel Feraud acaba en problemas con sus superiores tras entablar constantemente duelos con el resto de tropas. Se envía al teniente Armand d’Hubert para poner a Feraud bajo arresto domiciliario. Pero Feraud, tomando el mensaje como un insulto grave, desafía a D’Hubert a una pelea a espada. En lo que se convertiría en una rivalidad de décadas, los dos soldados, que se basan en húsares reales, se enfrentan en una serie de duelos cada vez más intensos.

Antes de comenzar a trabajar en la película, Scott estaba ocupado haciendo comerciales con su hermano Tony. El director estima que realizó más de 2.500 comerciales durante sus 20 años en publicidad. En lugar de esperar ofertas de Hollywood, Scott se puso a trabajar en la realización de su propia película. Usó su propio dinero para encargar el guión, adaptando el cuento corto de Joseph Conrad The Duel. El dinero era tan escaso que Scott tuvo que renunciar a un salario, a la leyenda de la actuación Albert Finney se le pagó en botellas de champán y toda la película se rodó en exteriores. Se pintó un carruaje tirado por caballos para que pareciera dos carruajes diferentes (rojo para la parte trasera, negro para la parte delantera). Y las chispas que se ven en las peleas de espadas se generaron al conectar las espadas a un montón de baterías. Esto significaba que Harvey Keitel, quien interpretaba al irascible Feraud, a menudo se sorprendía mientras coreografiaba las peleas. Los hijos de Scott desempeñaron pequeños papeles en la película para reducir aún más los costos.

El tiempo de Scott en The Duellists enseñó al elenco y al equipo sobre la importancia de improvisar y adaptarse. En una escena, d'Hubert (Keith Carradine) le propone matrimonio a su compañera Adele (Cristina Raines) mientras pasea por el campo. Pero uno de los caballos, recordó Scott, interrumpió el tierno momento: “(Cristina) se echó a reír. Y eso no está diseñado, porque se supone que debe proponerle matrimonio … Así que funcionó, porque cree que ella está incómoda, pero ella se ríe porque puede ver que el caballo tiene una erección gigante ". Carradine logró salvar la escena, manteniendo al caballo bajo control y trabajando a través de las risas. Cuando el exuberante caballo de Carradine lo tira al suelo, inmediatamente se tropieza con una rodilla y continúa con la propuesta.

9 American Gangster pagó a los actores para que no hicieran nada

Es justo decir que el desarrollo de American Gangster no fue exactamente sobre ruedas. La producción inicial estuvo plagada de retrasos, reescrituras de guiones y costos vertiginosos. El director original de la película biográfica, Antoine Fuqua, estaba constantemente chocando con los ejecutivos del estudio. En octubre de 2004, sólo un mes antes de que comenzara el rodaje, Universal Pictures despidió a Fuqua y se encargó de la conservación de todo el proyecto. Dos grandes ganadores surgieron de la cancelación: Denzel Washington y Benicio del Toro. Resultó que ambos actores habían firmado un contrato de "pagar o jugar". Esto significaba que Washington y del Toro tenían derecho a recibir su salario completo, a pesar de que no habían filmado una sola escena. Mientras que del Toro recibió $ 5 millones, Washington se llevó a casa la friolera de $ 20 millones.

Con Fuqua fuera, el estudio se dirigió a Ridley Scott. En 2006, Scott se asoció con Russell Crowe y el guionista Steven Zaillian para perfeccionar el guión. Más tarde, Denzel Washington regresó para interpretar a Frank “Superfly” Lucas, un gángster de Harlem (y fantaseador en serie) que afirmó que había contrabandeado heroína a los Estados Unidos utilizando los ataúdes de soldados estadounidenses muertos. Esta cuenta fue luego cuestionada. Aunque Washington no recibió una tarifa adicional por adelantado, se le dio un porcentaje de las ganancias de la película. Russell Crowe reemplazó a Benicio del Toro como el detective Richard Roberts, lo que significa que el estudio pagó a un actor $ 5 millones por literalmente no trabajar.

8 Alien sucedió debido a Star Wars

En el verano de 1977, Ridley Scott terminó su trabajo en The Duellists y se dirigió a Los Ángeles. El amigo de Scott, el productor David Puttnam, lo invitó a una proyección de Star Wars: A New Hope. Este fue el momento que cambió por completo su carrera cinematográfica. "Cancelé la película que iba a hacer, después de ver Star Wars", recordó. “Cuando apareció la Estrella de la Muerte al principio, pensé: 'No puedo hacer (mi próxima película) Tristan and Isolde, tengo que encontrar otra cosa'. Cuando terminó la película, era tan impresionante que me hizo sentir miserable. Ese es el mayor cumplido que puedo darle; Me sentí miserable durante una semana. No había conocido a George en ese momento, pero pensé, F-k George ".

Y así, después de recibir una copia de un guión llamado Alien, Scott aprovechó la oportunidad para hacer su propia película de ciencia ficción. El guionista, Dan O'Bannon, se inspiró en las extrañas reflexiones del artista suizo H.R. Giger. El equipo de filmación trajo a Giger al proyecto, consultándolo sobre los diseños del xenomorfo y su engendro de tentáculos. Incluso se le ocurrieron ideas sobre cómo debería verse la nave espacial infestada del LV-426. Cuando Giger envió transparencias fotográficas de su trabajo a sus contrapartes en Los Ángeles, las imágenes eran tan perturbadoras que hicieron sonar las alarmas en la aduana. “Pasaron por la aduana, que no entendían lo que eran y estaban alarmados, y tuvimos que ir personalmente a LAX y recoger estas cosas”, explicó O'Bannon.

7 Gladiator metió a Scott en el negocio de la deforestación

La apertura de Gladiator comienza con estilo, con el general Maximus Decimus Meridius (Russell Crowe) enfrentándose a las tribus germánicas a lo largo de la frontera norte del Imperio Romano. Se ve a los romanos usando su superioridad tecnológica para superar a sus enemigos, arrojándolos con flechas llameantes y ollas de aceite en llamas. El impresionante espectáculo se logró utilizando una enorme cantidad de talento, incluidos equipos de artistas, diseñadores de vestuario, maquilladores, técnicos y coreógrafos.

La secuencia, en la que 5.000 legionarios se enfrentan a 10.000 bárbaros, exigió el uso de miles de extras y disfraces. El departamento de vestuario se puso a trabajar con los armeros para crear atuendos realistas para las tropas, los arqueros y la caballería de Félix. Los protagonistas de tribus germánicas fueron llevados a pozos de barro y cubiertos de tierra. El equipo se centró en fabricar máquinas de guerra funcionales, incluida una serie de enormes catapultas y balistas de asedio. El departamento de utilería construyó un impresionante arsenal de espadas y escudos, junto con 16.000 flechas.

Se hizo un esfuerzo considerable para que los efectos de llama se vieran lo más espectaculares posible. Se colocaron una serie de tuberías debajo del suelo del bosque para bombear propano por el campo de batalla. Aunque el conflicto se desarrolló en el noreste de Europa, Scott terminó filmando en Bourne Woods en Surrey, Inglaterra. El motivo de la ubicación era simple: el cineasta descubrió que la Comisión Forestal de Inglaterra iba a destruir parte del bosque. “Así que dije: 'Lo haré. Lo quemaré hasta los cimientos ", explicó Scott. "Dijeron, 'bien'".

6 Black Hawk Down hizo un esfuerzo adicional para lograr la autenticidad

Tras el gran éxito de Gladiator, Scott volvió su mirada hacia una narrativa más moderna: la Batalla de Mogadiscio. En 1993, en el apogeo de la guerra civil somalí, el ejército estadounidense entró en la capital somalí e intentó detener a un par de notorios criminales de guerra. La operación salió muy mal cuando las milicias locales utilizaron juegos de rol para derribar dos helicópteros Black Hawk.

Dada la inestabilidad continua de Somalia, el equipo de Scott realizó su exploración de locaciones en Marruecos. La ciudad costera de Sale reflejaba a la perfección el aspecto y la sensación de Mogadiscio, con sus destartaladas chozas, calles estrechas y bulliciosos mercados. El rey de Marruecos se ofreció a proporcionar vehículos Humvees, tanques y helicópteros para el rodaje. Afortunadamente para Scott, el entonces secretario de Defensa William Cohen era un gran fanático del cine. También comprendió, basándose en el éxito de películas como Top Gun, cómo las películas de guerra patriótica podían inspirar el reclutamiento militar. El estudio trabajó con el Departamento de Defensa y el Estado Mayor Conjunto para autorizar el uso de equipo militar estadounidense para la película, incluido un complemento de helicópteros Black Hawk y Little Bird. Se utilizaron ocho helicópteros y 40 Rangers estadounidenses para el rodaje de 3 meses en Marruecos, con costos de alrededor de $ 3 millones.

Mientras tanto, el diseñador de producción viajó para negociar con los lugareños. Dado que Black Hawk Down fue un rodaje anterior al 11 de septiembre, el equipo no tuvo que preocuparse tanto por el sentimiento antiestadounidense o los simpatizantes terroristas. A cambio de reparar la infraestructura local, incluidas escuelas y mezquitas, Scott y compañía. se les dio permiso para filmar en toda la región. Gran parte de la señalización de la ciudad se modificó para que coincidiera con la de Somalia, se pintaron grafitis en los edificios y se extendió una mezcolanza de postes telefónicos y de servicios públicos por toda la región.

Mientras el equipo construía escenarios en campos de fútbol en desuso y sitios de construcción a medio terminar, el elenco comenzó a prepararse para el rodaje. Personas como Orlando Bloom, Jason Isaacs, Ewan McGregor, Tom Sizemore, Eric Bana y Tom Hardy se inscribieron en el proyecto. Después de que les afeitaran la cabeza, los actores se dividieron en tres comandos especializados: Delta Force, Rangers y los pilotos de helicópteros. Las unidades terrestres aprendieron cómo infiltrarse en edificios ocupados por el enemigo y preparar cargas de ruptura, mientras que los pilotos se entrenaron en simuladores de vuelo especializados. “En el último día del campo de entrenamiento, nos pusieron una nota anónima debajo de nuestra puerta”, explicó Jason Isaacs, quien interpretó al Capitán Michael Steele. “Nos agradeció nuestro arduo trabajo y nos pidió que contáramos su historia verdadera. Y estaba firmado por todos los chicos que habían muerto ".

5 Scott fue técnicamente despedido de Blade Runner

La producción de Blade Runner pareció pasar de un desastre absoluto a otro. Ridley Scott solo tomó la película como un mecanismo de afrontamiento para lidiar con la pérdida de su hermano mayor. Con la producción de su próximo proyecto, Dune, a más de un año de distancia, Scott acordó enfrentarse a Blade Runner en su lugar. Pronto surgieron varios problemas.

"¿Sueñan los androides con ovejas eléctricas?" De Philip K. Dick fue adaptado al guión de la película, cuya primera versión el autor despreciaba absolutamente. Cuando Ridley le dijo al guionista Hampton Fancher que otro escritor iba a revisar su trabajo, rompió a llorar y se negó a trabajar más en la película. "Que se jodan, chicos", fueron las palabras exactas de Fancher. En este punto, Blade Runner ya estaba retrasado y el presupuesto se había disparado de $ 12 millones a $ 20 millones. Sintiendo una catástrofe, el patrocinador original retiró su financiación. Esto dejó al productor con solo dos semanas para encontrar financiadores completamente nuevos, lo cual hicieron.

Tras volar a Los Ángeles en el último minuto, Scott estaba rodeado por un mar de rostros desconocidos. Harrison Ford, quien interpretó a un rudo cazador de réplicas llamado Rick Deckard, prácticamente le rogó al director que lo guiara en su actuación. Pero Scott no estaba particularmente interesado en brindar retroalimentación a sus actores, sino que prefirió enfocarse en el vestuario y los ritmos básicos de la trama. Pronto surgieron disputas sobre la dirección del personaje de Ford. Mientras que el director presionó para que Deckard fuera un replicante involuntario, Harrison odió la idea. Scott comenzó a agregar pistas sutiles que insinuaban el estado no humano de Deckard. Cuando Ford se enteró de las intrigas de su jefe, gritó: "¡Maldita sea, pensé que dijimos que no era un replicante!" Los dos terminaron discutiendo casi todos los días.

El elenco y el equipo trabajaron largas horas para satisfacer las demandas de su director. Esto, combinado con los rodajes en su mayoría nocturnos, dejó al equipo sintiéndose completamente desmoralizado. Con la película casi $ 8 millones por encima de su presupuesto revisado, algunos de los patrocinadores comenzaron a entrar en pánico. En julio de 1981, Ridley Scott y el productor Michael Deeley fueron despedidos oficialmente. La decisión vino de dos de los hombres de dinero de la película, Bud Yorkin y Jerry Perenchio.

"(Michael Deeley) dijo: 'Lo que te sugiero que hagas es entrar en tu sindicato'. Y así lo hice", dijo Scott entusiasmado. “Y me ha impresionado mucho la DGA (Gremio de Directores de América) desde entonces. Corrigieron el proceso al instante ". Aunque Ridley y Deeley continuaron trabajando en Blade Runner, Yorkin y Perenchio ahora tenían la última palabra sobre el proceso de edición. Esto llevó a la inclusión de la muy difamada voz en off de Harrison Ford, en la que su personaje esencialmente explica toda la trama a la audiencia.

4 La escena de comer cerebros de Hannibal fue una proeza técnica

A pesar de lograr puntajes de revisión medios, Hannibal logró recaudar alrededor de $ 350 millones en la taquilla mundial. La película concluye, de manera bastante memorable, con Hannibal Lecter (Anthony Hopkins) realizando una craneotomía a un funcionario corrupto del Departamento de Justicia y alimentando a las víctimas con partes de su propio cerebro. El espantoso momento fue capturado usando una mezcla de técnicas, incluyendo CGI y animatronics.

Primero se tomó un elenco corporal del personaje, interpretado por Ray Liotta (tarea nada agradable dado que el actor sufre de claustrofobia). Luego, el equipo de efectos visuales creó una réplica animatrónica de Liotta que era capaz de realizar movimientos básicos y animaciones faciales. Un casquete extraíble permitió al equipo insertar el cerebro de una vaca en la cabeza de la marioneta. Esto le dio a Anthony Hopkins la oportunidad de adentrarse en lo que parecía ser la cabeza de Ray Liotta. Los cortes quirúrgicos se realizaron desde ciertos ángulos para evitar que el público sospechara que se estaba utilizando un maniquí.

La magia de CGI se utilizó para las tomas en las que Liotta estaba hablando con otros personajes. La estrella de Goodfellas usó una gorra verde para la secuencia. Esto brindó a la propia compañía de efectos visuales de Scott, The Mill, la oportunidad de reemplazar digitalmente la parte superior del cráneo de Liotta con un cerebro expuesto. El resultado final fue tan efectivo que, durante la postproducción, Scott luchó por distinguir entre la marioneta y el actor real. “En esa escena, hay dos o tres planos que en realidad son la figura y no (Liotta). Y nunca voy a decirte cuáles eran, porque era tan bueno que finalmente, cuando tuve que cortarlo, tuve que mirar de cerca y decir: "Oh, Dios mío. Esa es la cifra que hicieron ".

3 La NASA usó el marciano para la promoción cruzada

The Martian, basada en la popular novela de ciencia ficción de Andy Weir del mismo nombre, cuenta la historia de un astronauta de la NASA que se queda varado en la superficie de Marte. El desafortunado ingeniero, Mark Watney, debe sobrevivir lo suficiente para que sus compañeros de tripulación acudan a su rescate. Watney usa su ingenio para sobrevivir, envía una señal de socorro a la NASA, repara su módulo de habitación despresurizado y planta cultivos con nada más que excrementos humanos y combustible para cohetes reutilizado.

Cuando la NASA se enteró de que Scott estaba dirigiendo la película, la agencia ofreció inmediatamente su experiencia técnica. Jim Green, director de la División de Ciencias Planetarias de la NASA, reunió a un equipo de expertos que podría responder a las preguntas del estudio. El diseñador de producción pasó horas recorriendo el Centro Espacial Johnson, haciendo preguntas sobre vuelos espaciales y tomando fotos de los prototipos de la NASA. Incluso algunos aspectos del guión se perfeccionaron en colaboración con los empleados de la NASA, muchos de los cuales fueron contratados como consultores técnicos.

La NASA estaba ansiosa por promover la película, viéndola como una oportunidad para asegurar fondos adicionales para proyectos futuros. En diciembre de 2014, una página del guión de Scott fue lanzada al espacio a bordo de la nave espacial Orion. El panel Comic-Con de la película estuvo repleto de ingenieros, directores y astronautas de la NASA. En 2015, organizó un “Día Marciano” en el Laboratorio de Propulsión a Chorro de California. Con la asistencia de Matt Damon, Andy Weir y Ridley Scott, el evento fue diseñado no solo para promover la película, sino también para reiterar las ambiciones de la NASA de llevar a un hombre a Marte para 2030. Dos días antes del estreno de la película, la NASA anunció que había descubierto líquido. agua en la superficie de Marte. El descubrimiento provocó la especulación de que Marte albergaba acuíferos subterráneos y quizás incluso vida microbiana.

2 Alien: Covenant Killed Alien 5

Es justo decir que el camino hacia las precuelas de Scott ha sido bastante accidentado. James Cameron, director de Aliens, abandonó los planes para trabajar en otra secuela de Alien después de que 20th Century Fox diera luz verde a Alien vs.Predator (AVP), alegando que el crossover deslegitimaría toda la franquicia. "Empecé a trabajar en una historia", explicó Cameron. “Estaba trabajando con otro escritor y Fox volvió y me dijo: 'Tenemos un guión realmente bueno para Alien vs. Predator'. Y me enojé bastante. Dije: "Si haces eso, vas a matar la validez de la franquicia en mi mente". Porque para mí, eso fue Frankenstein Meets Werewolf ". Para sorpresa del director, terminó gustándole tanto AVP como Prometheus.

Cameron y Scott habían estado buscando explorar los orígenes del extraterrestre. Si bien la colaboración llegó a un final abrupto, Scott finalmente usó algunas de sus ideas para Prometheus. Lanzado en 2012, Prometheus se centra en los orígenes del icónico "Space Jockey" visto a bordo de la nave abandonada en la película original, aunque ambientada en una luna completamente diferente (LV-233). Como acotación al margen, el cadáver de la misteriosa criatura casi fue cortado de Alien por completo. Aunque se consideró que el Jockey y su cabina eran demasiado caros de fabricar, Scott desafió las órdenes del estudio e hizo que H.R. Giger los construyera de todos modos.

En 2015, Neill Blomkamp (Distrito 9) fue nombrada oficialmente directora de Alien V. La película habría visto a Sigourney Weaver repetir su papel de Ellen Ripley mucho mayor, con otros retornados como el Cabo Hicks y Newt. Los eventos de Alien 3 y 4 habrían sido reconfigurados, de ahí el resurgimiento de Hicks y Newt. Aunque Sigourney expresó su entusiasmo por el guión, el proyecto se suspendió hasta el lanzamiento de la segunda precuela de la historia de Ridley Scott, Alien: Covenant. Oficialmente, la película de Blomkamp está ahora muerta en el agua, y los ejecutivos del estudio están a favor de la tercera y cuarta precuelas de Scott. Si bien se rumorea que James Cameron está interesado en hacer realidad la visión de Blomkamp, ​​el proyecto permanece en el limbo.

1 La leyenda sufrió 15 reescrituras

Cuando el escritor William Hjortsberg comenzó a escupir ideas para la leyenda de fantasía oscura de Scott, no tenía exactamente mucho en qué continuar. Se le dio un esquema básico de la trama y se le pidió que leyera un libro sobre hadas. Por lo tanto, no debería sorprendernos saber que el guión necesitaba una cantidad considerable de reescrituras. A menudo, se incorporan nuevos escritores para reelaborar guiones completos (para disgusto del autor original). Pero, contra todo pronóstico, a Hjortsberg se le permitió presentar 15 versiones diferentes de su guión.

La leyenda tiró en varias direcciones. Scott y Hjortsberg querían contar una historia mucho más oscura, mientras que los ejecutivos claramente apuntaban a una película de aventuras más amigable para los niños, al estilo de Disney. El primer borrador de Hjortsberg, terminado en 1980, tenía unas 145 páginas. A Scott le encantó, y los dos presentaron el guión al estudio poco después.

Legend cuenta la historia de un mundo sumido en el caos. A instancias de un demonio cornudo, Darkness, un grupo de goblins mata a un unicornio mágico y le roba el cuerno. Luego secuestran a la princesa, llevándola a la guarida de su amo. El reino queda maldito y cae en un invierno perpetuo. Nuestro astuto héroe, Jack O ’the Green (Tom Cruise), debe rescatar a la princesa y restaurar el orden en el mundo. En el guión original, se suponía que Darkness debía seducir a la princesa y tener sexo con ella. Esto no impresionó a los peces gordos del estudio. “Simplemente hay que cambiar una cosa”, explicó una ejecutiva fumadora de cigarrillos, Marcia Nassiter. "No puedes permitir que el villano se folle a la princesa". Y así comenzó el proceso de Hjortsberg reformulando su historia, una y otra vez. Después de casi cuatro largos años de reescrituras, el equipo finalmente se puso a trabajar en el guión gráfico de la fábula épica. Si bien Darkness todavía intenta llevar a la princesa a la cama en la película, sus avances son un poco menos exitosos.

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