10 canciones de rock que sacudieron al mundo

10 orígenes del rock-and-roll oldies pero buenos

Las estrellas de rock son populares. Muchos de ellos pueden llenar estadios deportivos con multitudes de devotos ansiosos por escucharlos tocar en vivo. Es comprensible que sus fans también sientan curiosidad por saber de dónde sacaron sus ídolos sus ideas para las canciones de éxito que escribieron. Especialmente durante las décadas de 1960 y 1970, el rock and roll, el country y el western, el blues y otros géneros de música popular fueron verdaderamente originales, innovadores y creativos.

Ningún cantante o banda sobresaliente sonaba como otro; cada uno era distintivo; cada uno era único, ofreciendo su propio sonido, el suyo o el de ella. Esta es una de las características de los músicos de esas décadas que los hizo famosos entre los fans consagrados y nuevos generación tras generación. Aquí hay 10 orígenes del rock and roll de los años sesenta y setenta, pero golosinas que continúan sacudiendo la casa.

10 "Llevarlo al límite"

Randy Meisner, miembro fundador de The Eagles, no solo tocaba el bajo y cantaba, sino que también escribía canciones para el grupo o, en muchos casos, partes de canciones. Como explica Meisner, aunque había comenzado el éxito de la banda "Take It to the Limit", la canción quedó inconclusa cuando llegó el momento de grabarla, y los compañeros fundadores de la banda, Glenn Frey (1948-2016) y Don Henley, acudieron al rescate. llenando "los espacios en blanco" en la letra.

La experiencia de sentir que lo había visto todo y lo había hecho todo inspiró las palabras "llévalo al límite". Las palabras tenían la intención de expresar no solo su mundanalidad y aburrimiento, sino también la sensación de "envejecer". La canción también está destinada a expresar la necesidad o la tendencia que uno tiene, a pesar de esos sentimientos, de "seguir golpeando" cada día, de continuar "llevándolo al límite una vez más".

9 "Mala luna cresiente"

Una película, y el miedo de un músico a los huracanes, inspiraron a John Fogerty de Creedence Clearwater Revival a escribir las líneas de "Bad Moon Rising". La película fue El diablo y Daniel Webster (1941). Una de las escenas de la película en particular se metió bajo la piel de Fogerty, explicó: las imágenes del huracán provocaron la letra "Escucho huracanes que soplan / Sé que el final llegará pronto".

Para Fogerty, la idea de "ríos desbordados" debido a los efectos de la tormenta sonaba como "la voz de la rabia y la ruina", lo que alienta la advertencia de la canción: "No salgas esta noche / Bueno, seguro que te quitará la vida". . "

A veces, el público escuchaba "hay un baño a la derecha", en lugar de "Hay una luna mala en aumento, está bien", lo que, en ocasiones, divirtió a Fogerty lo suficiente como para sustituir las palabras malinterpretadas por las que había escrito.

8 "Bobby McGee y yo"

“Me and Bobby McGee” es una de las muchas canciones que hizo famosa la legendaria artista de blues Janis Joplin (1943-1970). (Su grupo, Full Tilt Boogie Band, podría haber ayudado un poco). La capacidad de Joplin para infundir las palabras de una canción con una emoción poderosa y cruda, especialmente una profunda tristeza, a pesar de sus interpretaciones ruidosas, a menudo estridentes, de la narrativa y electrificada audiencia de la letra. . Como otras superestrellas del mundo de la música, no había duda de su voz; La voz de Joplin, al igual que su estilo, era única.

Aunque canta más "Me and Bobby McGee" de lo que tiende a ser en muchas otras canciones, todavía aprovecha las emociones de sus oyentes, atrayéndolos hacia el patetismo y la pérdida expresados ​​por la canción, que relata un par de vagabundos. 'viaje en autoestop desde Baton Rouge, Louisiana, a Salinas, California, e incluye el lamento sobre que la mujer dejó que Bobby "se escapara". Cambiaría todo su futuro, dice la mujer, por un día del pasado, cuando estaba cerca de Bobby.

La canción no fue lanzada hasta después de la muerte de Joplin; desde su aparición, en 1971, se elevó a la cima de las listas de éxitos. Sin embargo, Joplin no escribió la canción; el legendario músico Kris Kristofferson y el compositor Fred Foster (1931-2019) son sus autores. Kristofferson también cantó la melodía, al igual que otras luminarias como Waylon Jennings (1937-2002), The Grateful Dead, Loretta Lynn, Kenny Rogers (1938-2020) y The First Edition, Gordon Lightfoot, Dolly Parton, Miranda Lambert, Olivia Newton. -John, Vicki Britton y Johnny Cash (1932-2003).

Sin embargo, de todas las actuaciones de otros que cantaron la canción, Kristofferson parece haber preferido la interpretación de Joplin. En sus propias palabras, describió el efecto de escuchar su actuación por primera vez. “La primera vez que escuché la versión de Janis Joplin fue justo después de su muerte. . . . Después, caminé por todo L.A., solo llorando. No podía escuchar la canción sin romper realmente ". La canción siempre le recordaba a ella: "Cada vez que la canto, sigo pensando en Janis".

La idea de la balada fue la del fundador y productor de Monument Records, Fred Foster, quien dijo que el factor decisivo fue que la canción trataba sobre una mujer: "Bobby McKee es ella". Kristofferson, quien confundió a "McGee" con "McKee", dice que "nunca había escrito una canción en una asignación", pero aceptó tomar la sugerencia de Foster como un consejo.

El ritmo de otra canción, "Why You Been Gone So Long" de Mickey Newbury (1940-2002) sugirió el compás de "Me and Bobby McGee", y la película de Federico Fellini (1920-1993) La Strada (1954) le dio a Kristofferson la idea del tema de la canción.

En la película de Fellini, un motociclista abandona a su novia junto a la carretera. Años más tarde, al encontrarse con otra mujer mientras toca una canción en el trombón que su novia había tocado cuando estaban juntos años antes, el motociclista le pregunta dónde escuchó la canción. Una joven que apareció de la nada y luego murió, desconocida, solía cantarla, dice.

“Para mí”, dice Kristofferson, “ese fue el sentimiento al final de 'Bobby McGee'. La espada de dos filos que es la libertad. Estaba libre cuando dejó a la niña, pero eso lo destruyó. De ahí viene la frase 'La libertad es solo otro nombre para que no quede nada que perder' ".

La propia Joplin hizo otro cambio en la canción de Kristofferson. Había convertido a Bobby en una mujer; ella lo transformó de nuevo en un hombre.

7 "Bola y cadena"

Joplin también cautivó al público con su interpretación de "Ball and Chain" (1968), una canción sobre una relación romántica problemática. Su voz, llena de angustia, revela el alma torturada de una mujer enamorada que no está segura de que sus sentimientos sean plenamente correspondidos. Uno puede escuchar, en los lamentos y llantos de Joplin, la agonía de la duda y la lucha de una mujer por llegar a un acuerdo con una relación que se desintegra, posiblemente terminada.

Como en el caso de "Me and Bobby McGee", esta canción, aunque popularizada por la versión de Joplin, fue escrita por otro músico, el fenómeno del blues Willie Mae ("Big Mama") Thornton (1926-1984), a quien Joplin consideraba como una especie de mentor.

Aunque "Ball and Chain" no fue el gran éxito de Thornton como lo fue para Joplin dos años después de que Thornton cantara la canción, la interpretación de Thornton también emocionó al público. De hecho, algunos críticos favorecieron el desempeño de Thornton sobre el de Joplin. Según Notable Black American Women, Libro II, editado por Jessie Carney Smith, “La actuación de Joplin siempre fue cultivada y trabajada, (mientras que) la de Thornton viene directamente del corazón con un puñetazo en el vientre (y) siempre contiene un elemento de peligro. "

Durante una actuación de 1979, Thornton, entonces enferma, interpretó la canción como parte de su aparición en el Festival de Blues de San Francisco, donde, según el crítico Richard Cohen, fue el "punto culminante de su set", durante el cual "cantó, gimió , gritó e hizo todo lo que hay que hacer con una canción ”y fue recompensado con una ovación de pie.

6 "Espuma"

En su autobiografía, Somebody to Love ?: A Rock-and-Roll Memoir, escrita con Andrea Cagan, Grace Slick relata el origen de su canción “Lather” (1968). Después de una noche romántica con su "amante", el baterista de Jefferson Airplane, Spencer Dryden (1938-2005), escribió la canción como una expresión, desde la perspectiva de "niños perpetuos", de la anticipación de una pareja de llegar a "la inminente edad de treinta años". . "

Parte de la personalidad de Dryden parece haber sido incluida en la descripción de Lather en la canción. Aunque, escribe Slick, tenía "tristeza en sus ojos, se reía fácilmente", y Lather parece en parte triste y en parte divertido cuando, en la canción, mira a su compañero, sus "ojos muy abiertos y claramente (dice), ¿Es cierto que ya no soy joven? '”. Al mismo tiempo, la canción en sí tiene un tono melancólico apropiado para la aprehensión de los jóvenes de la verdad de que la juventud no es un estado eterno.

5 "Jinetes en la tormenta"

Suave y melódica, con notas de piano y gotas de lluvia, "Riders on the Storm" (1971), se caracteriza por ser una "fascinante epopeya de siete minutos". La composición fue un esfuerzo de colaboración en el que Robbie Krieger, el guitarrista de los Doors, y Jim Morrison (1943-1971), el carismático vocalista de la banda, improvisaron la canción country y occidental del actor y compositor Stan Jones, "Riders in the Sky: Una leyenda del vaquero ". El teclista Ray Manzarek (1939-2013) "propuso la línea de bajo y la parte de piano" y el "estilo jazzístico" de la canción.

Morrison ya había elaborado la narrativa sobre un asesino en serie que también es más que un simple asesino que hace autostop. Como explicó Manzarek, “Jim. . . no quería completar la canción solo sobre un autoestopista asesino ". El verso final de la canción sugiere que, aunque la víctima ya no ocupa su cuerpo, su “vida esencial nunca terminará y el amor es la respuesta a todas las cosas. Le da a la canción una perspectiva diferente ". En el momento en que se escribió la canción, el personaje central de la canción, agrega, "estaba muy adelantado a su tiempo".

4 "Purple Haze"

La música de “Purple Haze” (1967) de Jimi Hendrix (1942-1970) es una mezcla de efectos, señalan Harry Shapiro y Caesar Glebbeek, autores de Jimmy Hendrix: Electric Gypsy, e incluye “técnicas de cuerda abierta”. . . Intervalos de quinta aplanada, martillazos y arranques en ejecuciones de una sola nota que crean sonidos modales y el famoso 'Hendrix Chord', la novena afilada, que, en conjunto, contribuyen a sus « sonidos angulares, metálicos crudos y sucios ''.

La letra de la canción, "escrita arriba en el camerino (de un club), incluía" unas mil palabras ", dijo Hendrix, ya que insinuó, con disgusto, que su número había sido cortado, una acusación que el productor Chas Chandler (1938-1996 ) lo negó, aunque admitió que, en general, las letras de las otras canciones de Hendrix se "editaban" con bastante frecuencia. Si bien Hendrix no vio la necesidad de mantener las canciones cortas y "tendía" a escribir canciones que duraran "seis o siete minutos", a menudo se acortaban a la mitad durante la producción, lo que Chandler y sus asociados consideraron mejoras. Aunque una de las líneas de la canción dice: "Disculpe mientras beso el cielo", durante los conciertos, Hendrix a veces cambiaba juguetonamente "el cielo" por "este tipo", indicando el baterista Mitch Mitchell.

Aunque muchos ven la canción como una descripción más o menos disfrazada de una experiencia con LSD, Shapiro y Glebbeek no están dispuestos a verla como tal. Las líneas existentes de la canción son, según Hendrix, simplemente parte de un conjunto de letras mucho más largo, por lo que la interpretación de su significado es problemática, especialmente porque Hendrix proporcionó una respuesta diferente cada vez que se le preguntó sobre el origen de la canción.

Además, tal lectura no daría cuenta de las fuentes que Hendrix afirmó como inspiraciones, incluido un sueño que tuvo durante el cual "caminaba bajo el mar", una experiencia que había tenido con "una chica que trató de atraparlo con vudú". durante su temprano. . . días ", otras" experiencias de la vida real "," imágenes y temas "de libros de mitología y ciencia ficción que había leído, y" interpretaciones alegóricas "de eventos históricos que involucran migraciones de" tribus prehistóricas "y cuentos Hopi de Spider-Woman, su equivalente a Eva, que "nació en el agua" bajo una luz difusa que se parecía, para sus hijos, a "una Purple Haze".

3 "Siempre te querré"

Los muchos proyectos y actividades de la gran talentosa de la música country Dolly Parton incluyen cantar, tocar instrumentos musicales y escribir canciones, una de las cuales, "I Will Always Love You", ganó elogios no solo para ella, sino también para Whitney Houston ( 1963-2012), la versión de este último del éxito es la preferida por muchos, incluida la propia Parton.

Compuesto como una canción de despedida para Porter Waggoner (1927-2007), mentora y socia comercial de Parton, después de que Parton se lanzara por su cuenta a los veintiocho años, la canción le fue bien cuando la cantó en 1972, pero debe haber conocido por seguro del gran éxito que tuvo en sus manos cuando Elvis Presley (1935-1977) le pidió permiso para grabar su versión de su canción. Desafortunadamente, el gerente de Presley, Tom Parker (1909-1997), presentó términos que serían un factor decisivo para Parton, insistiendo en que Presley "se lleve la mitad de la publicación".

Una década más tarde, en 1982, Parton volvió a grabar la canción y volvió a encabezar las listas de éxitos. Diez años después, volvió a dispararse y permaneció allí durante meses, cuando Whitney Houston, dándole un giro romántico a la letra, cantó la canción en la banda sonora de The Bodyguard, que protagonizó junto a Kevin Costner.

2 "Quiero tomar tu mano"

Los Beatles sacudirían al mundo con canciones como "Michelle" (1965), "Nowhere Man" (1966), "Eleanor Rigby" (1966), "Penny Lane" (1967), "Strawberry Fields Forever" (1967), " Todo lo que necesitas es amor "(1967)," Lucy en el cielo con diamantes "(1967)," Lady Madonna "(1968)," Hey, Jude "(1968)," Revolution "(1968)," Get Back " (1969), "A Day in the Life" (1978) y muchos otros éxitos. Sin embargo, la carrera de diez años de la banda comenzó con una canción sencilla, "I Want to Hold Your Hand" (lanzada en Inglaterra en 1960).

¿Cuál es la historia detrás de la canción que lanzó la carrera de uno de los grupos de rock and roll más famosos de todos los tiempos? Según The Billboard Book of Number 1 Hits, de Fred Bronson, aunque los Beatles fueron un éxito en Inglaterra, en 1963, la banda simplemente no parecía, para su manager, Brian Epstein (1934-1967), ser ganando terreno en los Estados Unidos. Epstein había estado tratando de generar cierto interés en la banda con Capitol Records, pero los ejecutivos de la compañía no veían futuro para los mopheads en Estados Unidos: "No creemos que los Beatles hagan nada en este mercado", le dijeron. mientras pasaban la oferta de lanzar los sencillos de la banda.

Paul McCartney y John Lennon (1940-1980), que habían escrito "I Want to Hold Your Hand" en el sótano de la casa de la novia de McCartney, la actriz Jane Asher, lo escribieron específicamente para su lanzamiento en Estados Unidos, dándole un "sonido gospel". " Epstein "llevó una copia de demostración" a Nueva York el día después de que The Beatles hiciera una actuación de mando para la Reina Madre. Al director de operaciones orientales de Capitol, Brown Meggs (1930-1997), le gustó lo que escuchó y programó el lanzamiento de la canción el 13 de enero de 1964. Durante el viaje, el gerente también se reunió con un buscador de talentos, quien organizó que la banda tocara en dos transmisiones estadounidenses.

Sin embargo, WWDC Radio en Washington, DC, venció tanto a la compañía discográfica como al programa Jack Paar de NBC al momento, transmitiendo una copia de "I Want to Hold Your Hand" que la estación había adquirido de un asistente de vuelo de BOAC. La respuesta del público fue abrumadoramente favorable, y Capitol cambió la fecha de lanzamiento al 26 de diciembre. La grabación se disparó a la cima de las listas, vendiendo 15 millones de copias en todo el mundo. Los Beatles finalmente se habían convertido en un "éxito de la noche a la mañana" en los Estados Unidos.

1 "Luna de concentración"

Para el bromista irreverente Frank Zappa (1940-1993), las vacas sagradas no existían. Cualquier tipo de hipocresía, pretensiones, patrañas u otras payasadas era un objetivo aceptable para sus letras, como sugiere el álbum de The Mothers of Invention, Estamos solo en eso por el dinero (1968), cuya portada es en sí misma una parodia de el sargento de los Beatles. El álbum Lonely Hearts Club Band de Pepper (1967).

Durante las décadas de 1960 y 1970, Zappa vio problemas y peligros tanto del lado del estado conservador como del lado de sus rivales despreocupados. El álbum no busca un equilibrio o compromiso entre ellos, sino que señala las limitaciones y peligros de ambos.

Cada una de las canciones del álbum apunta a algún aspecto de la contracultura o el estilo de vida hippie o la cultura dominante contra la que supuestamente se rebela. “Who Needs the Peace Corps” ataca a los “hippies falsos”; “Mom & Dad” acusa a las autoridades sociales como la policía y los funcionarios del gobierno, pero también a los padres; “Bow-Tie Daddy” satiriza a los padres adictos al trabajo y ausentes; aunque "Harry, eres una bestia" ha sido visto como misógino, también puede verse como una condena de las actitudes sexistas y el "privilegio masculino"; otras canciones atacan otras deficiencias y abusos tanto de la cultura dominante como de la contracultura.

Una de estas canciones es "Concentration Moon", que se basa en la teoría de la conspiración de que el presidente Ronald Reagan (1911-2004) planeó encarcelar a los hippies en los campos que se utilizaron para encarcelar a ciudadanos estadounidenses de origen japonés durante la Segunda Guerra Mundial.

Según Kelly Fischer Lowe, autora de Las palabras y la música de Frank Zappa, la canción “cuenta esta historia en un estilo tonto de canto de cervecería, con estilos de piano y una pseudo banda de música de fondo. " Esta canción, que está dirigida contra “el autoritarismo progresivo del estado” que Zappa temía estar presenciando, es una condena directa de tales tácticas, que “contrarrestan. . . cada parte de la composición ideológica de Zappa ".

Sobre el Autor: Gary L. Pullman, profesor de inglés de la Universidad de Nevada en Las Vegas, colaborador habitual de Listverse, vive al sur del Área 51, lo que, según su familia y amigos, explica "muchas cosas". Su serie de cinco libros, An Adventure of the Old West, está disponible en Amazon.

PULSA PARA EMPEZAR EL TEST

¡¡¡TEST DIARIOS EN TU MOVIL!!!

Pulsa para descargar



El Chat de TestdePersonalidad.club


CARGANDO...


LOADING...

¡UNETE A NOSOTROS!

Somos 577 jugones ¿a que esperas para unirte?

¡Registrate ya!

Bienvenido a Test de Personalidad

Testdepersonalidad.club es una web en la que ademas de divertirte con nuestros quiz y test podras conocer gente chateando con nuestros jugones. Todos los dias añadimos test divertidos nuevos, no te los pierdas.

¿Que puedo encontrar en test de personalidad?

En esta web podras encontrar estos tipos de test

Test de inteligencia

Test de personalidad

Test de amor

Test psicologicos

Test divertidos

Test de cultura general

Quiz

Y un sin fin mas de diversos test con los que nos gustaria que lograses pasar un buen rato divirtiendote. Asi que si no sabes que hacer cuando te aburres te damos la solucion perfecto

¿Como funciona Testdepersonalidad.club?

Es muy sencillo, solo tienes que acceder al test que mas te guste e ir respondiendo a las preguntas que te va dando la aplicacion. Cuando finalices te daremos el resultado de tu test de personalidad.